Monthly Archives: Gennaio 2015

Benvenuti nel dietro le quinte dell’adattamento teatrale del racconto di Raymond Carver “Di cosa parliamo quando parliamo d’amore”, opera fortemente voluta, diretta, finanziata ed interpretata da Riggan Thompson.
L’idea di Thompson è quella di dimostrare al pubblico, alla critica ma anche a se stesso che la fama raggiunta all’improvviso vent’anni prima, vestendo i panni del supereroe mascherato Birdman, non è solo fortuna ma anche frutto di studio e talento.

People, they love blood. They love action. Not this talky, depressing, philosophical bullshit.

Attraverso un uso costante ma mai fastidioso di lunghi pianosequenza, “seguiremo” – letteralmente –  Riggan e tutta la crew dentro i camerini e in strada, osservandoli a 360° mentre cercano di far funzionare lo spettacolo. Accanto all’ex eroe volante ci sono la figlia ribelle Sam, fresca di rehab, l’amico di sempre Jake, qui nella doppia veste di produttore e consulente legale e l’amante Laura. Nei momenti meno opportuni si farà vedere anche l’ex moglie di Thompson, pronta a ricordargli tutte le sue colpe e le sue mancanze (come da prassi).
A completare il quadro arriva all’ultimo minuto un attore piuttosto famoso, una concreta minaccia per Riggan e le sue ambizioni. Consapevole però che sua presenza porterà un aumento degli incassi, il regista decide in un primo momento di assecondare i capricci del nuovo arrivato.

Birdman, conosciuto anche come The Unexpected Virtue of Ignorance (Le imprevedibili virtù dell’ignoranza) rappresenta però molto più che il racconto tragicomico del ritorno alla ribalta di una vecchia gloria.  C’è innanzitutto un immenso Michael Keaton capace di ridere di se stesso e del suo glorioso passato da interprete di Batman, ci sono i riferimenti ad altre celebri saghe di supereroi in costume, c’è un uso sapiente del montaggio (tanto che non se ne avverte nemmeno la presenza) e soprattutto del ritmo.

It’s what you always do. You confuse love for admiration.

A Colin Evans, in prigione per omicidio colposo in seguito ad una brutta rissa, viene degata la libertà condizionata perchè sospettato di aver ucciso almeno altre 5 donne.
Per questi delitti Evans non è mai stato condannato, ma agli occhi di tutti, polizia ed opinione pubblica, non esisterebbe nessun altro colpevole; e proprio per questi sospetti, la commissione incaricata di dare un parere sulla richiesta di scarcerazione non ha raggiunto un parere unanimamente positivo.
Deluso da questo inaspettato rifiuto, Evans uccide le due guardie incaricate di scortarlo tra il carcere ed il tribunale ed evade.

Fino a questo punto del film non sapevamo ancora se Evans fosse solo una vittima innocente ed arrabbiata o un assassino spietato incriminato per un reato minore. L’omicidio brutale e a sangue freddo delle due guardie inizia però a metterci in guardia.
Dopo aver rubato chissà come e dove un furgone e dei vestiti, il fuggiasco va a trovare l’ex fidanzata, che nei 5 anni in cui Colin è stato dietro le sbarre, si è rifatta una vita. E se il duplice omicidio di qualche minuto prima non ci aveva ancora convinti, vedere Evans interagire con la ex ci toglie ogni dubbio sul suo caratteraccio e la sua indole violenta.

La seconda tappa della fuga sarà apparentemente casuale: dopo un incidente stradale, Colin suona alla porta di Terry, moglie e madre devota,per poter fare una telefonata e poter chiamare un carro attrezzi.
Inizialmente riluttante nell’aprire la porta di casa ad un perfetto sconosciuto, Terry finirà per abbassare la guardia ed invitare Evans ad accomodarsi.

Da questo momento il film prende una piega ansiogena: abbiamo capito che tipo è Colin e sappiamo cosa è capace di fare. Ci aspettiamo quindi da un momento all’altro che succeda qualcosa, qualcosa di brutto ma non sappiamo nè quando nè come, e soprattutto finiremo per chiederci con sempre maggior insistenza il perchè.

Passato quasi inosservato, No Good Deed merita una possibilità soprattutto per i livelli di tensione che riesce a creare nello spettatore e – cosa da non trascurare affatto – per la statuaria presenza di Idris Elba, che da solo (con fisico e straordinaria interpretazione) vale almeno il 75% della pellicola.

Conosciamo la biondissima Margaret e sua figlia all’inizio del film, quando una calda voce narrante ci informa che si stanno lasciando alle spalle un marito (ed un padre) da dimenticare, senza soldi ma con tanta voglia di ricominciare. Margaret dipinge per diletto, e tra un turno e l’altro a lavoro guadagna pochi dollari disegnando ritratti di bambini a passanti e turisti.

Durante una di queste giornate all’aperto passate a disegnare, Margaret si imbatte nell’affascinante Walter Keane, aspirante artista e abile manipolatore, che prima sedurrà Margaret e la sposerà e poi, avendo intuito che lo stile pittorico di lei era particolarmente apprezzato dagli addetti ai lavori, inizierà a spacciarsi per il vero autore dei dipinti, convincendo la povera Margaret che fosse la soluzione migliore per diventare ricchi e famosi.

In effetti i quadri della donna erano molto diversi da quanto già visto in quegli anni (siamo nell’America degli anni ’50): Margaret dipingeva bambini dall’espressione malinconica e con degli occhi esageratamente grandi.

L’inganno di Keane durerà per un decennio, e mentre Margaret è costretta a mentire al mondo e a malincuore anche alla sua stessa figlia, Walter girerà il mondo e accumulerà una fortuna. Ma dopo essere stata tanto remissiva, Margaret decide un bel giorno, spronata dal caratteraccio del marito, da una fuga alle Hawaii e da sua figlia, di uscire allo scoperto, attraverso un’intervista  ed una causa legale contro Walter.

Da amico personale da tempo della vera (e ancora molto attiva) Margaret Keane, Tim Burton regala al suo pubblico una biografia poetica in cui il suo tocco si nota ma rimane in secondo piano rispetto ai personaggi. Amy Adams e Christoph Waltz superbi, circondati da colori pastello e atmosfere anni ’50 e ’60 ben ricostruite.
In Big Eyes non vedremo nessun salto temporale azzardato, nessuna tecnica particolare se non quella del racconto lineare, nessun effetto speciale invasivo, per un film per tutti e che vale davvero la pena di guardare con attenzione, ritrovando un Burton che sembrava perduto da tempo e che invece riemerge con fotografia, musica e narrazione a tratti favolistica come nei suoi anni migliori.

Gli occhi sono il modo in cui esprimo le mie emozioni, li ho sempre disegnati così. Da piccola un’operazione mi ha lasciata sorda per un periodo e così mi sono ritrovata a fissare con lo sguardo, mi affidavo agli occhi della gente.

Dopo due piccoli gioielli di animazione come Coraline e ParaNorman, lo studio Laika ripropone la stessa formula vincente e presenta un’altra delicata storia sulla diversità, adatta a tutti e per nulla banale.

Nella vittoriana cittadina di Cheesebridge (in italiano tradotta in Pontecacio) gli stravaganti abitanti vivono le loro giornate celebrando l’amore per il loro più prezioso e ricercato bene: il formaggio. Il sindaco è l’aristocratico Lord Gorgon-Zole, leader dell’elite cittadina delle tube bianche (perchè indossano tutti dei lunghi cappelli di questo colore), ristretta cerchia di consumatori del miglior formaggio della zona, in cui il perfido Archibald Arraffa desiderebbe entrare per poter alzare il suo rango sociale (e non fare nulla tutto il giorno se non mangiare formaggio).

Per potersi guadagnare la stima necessaria a poter indossare anch’egli una tuba bianca, Arraffa si dedica anima e corpo alla lotta contro i famigerati Boxtrolls, creature che vivono nelle fogne e che amano “vestirsi” con vecchie scatole di cartone (da cui il nome). Nonostante siano creature timide e gentili, Arraffa li descrive nel corso degli anni come spregevoli mostri affamati di formaggio, che ogni notte essi rubano ai poveri cittadini di Pontecacio. Il pettegolezzo peggiore su di loro riguarda però il presunto rapimento di un bambino, che in realtà i Boxtrolls hanno salvato anni prima e cresciuto come uno di loro, chiamandolo Uovo.

Durante una ronda notturna per scovare ed intrappolare i Boxtrolls, viene catturato Fish, la cosa più vicina ad un padre adottivo per Uovo, e il giovane decide di tentare il tutto per tutto per salvarlo. Conosce così la coetanea Winnie Gorgon-Zole, viziata figlia del sindato, che riconosce in lui il bimbo rapito anni prima, ma non tarderà a scoprire quanto la realtà sia diversa dalle voci di piazza.

La lotta per la liberazione dei compagni e la riscoperta delle proprie origini sarà il filo conduttore del film, che senza mai risultare pedante o “bacchettone”, ironizzerà sul tema del diverso, del pregiudizio e delle “etichette sociali”.
Nonostante alcune sterili polemiche circolate in rete, alcune tematiche importanti inserite nella trama (come i due padri o personaggi trans) non solo arricchiscono la storia e la rendono più credibile, ma sono trattati con estrema delicatezza che non scade mai nel semplicismo, trasmettendo solo messaggi di tolleranza ed integrazione. 

Ancora una volta lo studio Laika dimostra il suo valore, con questo adattamento del libro di Alan Snow “Here Be Monsters!”, realizzato con il solito, perfetto equilibrio tra animazione classica, 3D, computer grafica e stop motion.

Stephen Hawking, giovane fisico e cosmologo presso l’università di Cambridge, poco prima di scoprire di essere affetto dalla malattia del motoneurone, che ne avrebbe da lì a breve compromesso molte funzioni motorie, conosce Jane, dottoranda in letteratura.

Nonostante fossero due persone apparentemente molto diverse tra i due scatta l’amore. Decidono di sposarsi ed utilizzare al meglio i 2 anni di vita che rimangono da vivere a Stephen secondo i medici.
Così, mentre il fisico si concentra sul suo lavoro e pubblica importanti lavori sulle origini dell’universo e sulla teoria del Big Bang, Jane rinuncia ad una carriera per sè e per amore decide di fare la mamma e la casalinga a tempo pieno.

Nonostante l’amore e la buona volontà, il lavoro è molto impegnativo e spesso Jane si trova a dover sopportare situazioni difficili come la decisione di non staccare la spina al marito dopo il grave malore in seguito ad una polmonite. Stephen continuerà a vivere e lavorare, ma dovrà subire una tracheotomia, che gli impedirà definitivamente di parlare (operazione già compromessa dall’avanzare della sua malattia). Da lì in poi il cosmologo comunicherà con i suoi studenti e con il mondo attraverso un’innovativo apparecchio di sintesi vocale, con la voce meccanica che abbiamo ormai imparato a riconoscere ed amare.

Il titolo “La teoria del tutto” fa riferimento ad uno dei grandi sogni ed obiettivi di Hawking, quello cioè di riuscire ad elaborare una formula matematica semplice, in grado da sola di spiegare tutte le dinamiche che regolano le forze dell’universo. Tema centrale, sviluppato per tutti i 120 minuti del film, è il tempo: tempo da studiare e capire, tempo da utilizzare al meglio delle proprie forze, tempo da manipolare (un giorno).

“There should be no boundaries to human endeavor. We are all different. However bad life may seem, there is always something you can do, and succeed at. While there’s life, there is hope.”

Il film, piuttosto che insistere sul netto contrasto tra una mente sempre attiva ed un corpo costretto all’immobilità troppo presto, preferisce giocare sui sentimenti, sull’evoluzione del rapporto tra Stephen e Jane, sulla voglia di vivere e lavorare nonostante tutto e su come riuscire a sopravvivere meglio alle disgrazie, usando l’ironia come un’arma potente.

Una pellicola inevitabilmente intensa, commovente e terribilmente umana, impreziosita da un’eccellente interpretazione da parte di entrambi i protagonisti. Da vedere anche se non capite un’acca di fisica.